Setlist Mastodon Vive Cuervo 25 de Agosto '09

1. Oblivion
2. Divinatios
3. Quintessence
4. The Czar
5. The Ghost of Karellia
6. Crack the Skye
7. The Last Baron
8. Bladecatcher
9. Colony of Birchmen
10. The Wolf is Loose
11. Crystal Skull
12. Capillarian Crest
13. Megalodon
14. Blood & Thunder
15. Iron Tusk
16. March of the Fire Ants

El vaticinado regreso de Alice in Chains

Desde 2006 empezó a fraguarse el polémico regreso de Alice in Chains y por fin se ha materializado el asunto. En poco más de dos meses (29 de septiembre) podremos tener en nuestras manos el primer álbum en estudio de la banda desde 1995, año en el que lanzaron su disco homónimo Alice in Chains.

Ahora bien, ¿qué podemos esperar de esta nueva etapa? Es lógico mostrarse escéptico ante esta reunión. Después de todo, el legendario frontman Layne Staley dejó este mundo hace ya más de 6 años con una muerte bastante rockstar. Es muy natural preguntarse si Alice in Chains puede sonar como Alice in Chains sin su mítico vocalista. William Duvall lleva siendo el substituto de Staley desde 2007 (cuando volvieron a los escenarios) pero hasta ahora no habíamos podido confirmar qué sucedería en un disco en estudio.

Hace algunas semanas Sean Kinney, baterista de la banda, dijo que no puede ser tan complicado sonar como uno mismo solía sonar, pasen los años que pasen. Pero bueno, que el baterista de una banda asegure esto no representa ninguna garantía, por lo que esa declaración no esclareció muchas dudas.

Sin embargo, muchas bocas fueron calladas –la mía no fue excepción- cuando se publicó la primera canción del Black Gives Way To Blue en el sitio de la banda, con un video de interesante propuesta y toda la cosa. El track, A Looking In View, se escucha a la altura de las más altas y exigentes expectativas de los fans. Y es que ciertamente la inconfundible e hipnótica de voz Alice in Chains no era exclusivamente obra de Layne Staley, sino también del talentosísimo guitarrista Jerry Cantrell, quien se encargaba de la siempre presente segunda voz de la banda. No digo que no se extrañe la participación de Staley, pero definitivamente nunca esperé que lograran un sonido tan apegado a sus días de gloria.

Algunos podrán decir, con justos argumentos, que toda reunión musical es un desesperado intento de los miembros de la banda por conseguir dinero. Me aventuro a decir que éste no es el caso. Si así lo fuera, dudo mucho que escogerían como primer sencillo un track de duración mayor a siete minutos. Invito a todos, escépticos y tolerantes, a visitar el sitio de Alice in Chains y darle una oportunidad a lo que promete ser el inicio de un gran regreso al estudio.

Voltaic

Björk saca al mercado una nueva colección de dos CD y dos DVD para conmemorar más de dos años de gira que la llevaron a casi todos los continentes. Aunque esta no es la primera recopilación de actuaciones en vivo, el atractivo será para todos aquellos que quieran recordar (o ver por primera vez) la experiencia audiovisual que fue su Volta Tour. En el primer disco se ofrece el concierto que grabó en los Olympic Studios de Londres, con las canciones de su entonces álbum más reciente, Volta, además de canciones anteriores con arreglos para metales. Escuchar nuevas canciones como “Earth Intruders” y “Declare Independence” junto a clásicos como “Army of Me” o “I Miss You” con toda la potencia del coro, las trompetas y los trombones dan muy buena idea de cómo se vivió aquella gira.

El segundo disco presenta dos conciertos: París y Reikiavik, con casi un año de diferencia entre ellos. El primero es el concierto como se vió alrededor del mundo, junto a Mark Bell, los metales y las percusiones, dando todo a los parisinos. Los arreglos para las canciones más conocidas les inyectan una nueva vitalidad hasta entonces desconocida, tal es el caso de “Jóga”, “Hyperballad” o “Pleasure Is All Mine”. Aunque a momentos la voz de Björk suena rasposa, verla sobre el escenario en tan vistosos vestidos, nos hace olvidar cualquier imperfección vocal.

El segundo concierto se acerca más a un recital que a una gira a escala mundial. Sencilla y acompañada de lo más imprescindible, la voz de Björk sobresale del coro que la acompaña, dándonos una vistazo a cómo debió sonar una gira para su disco Médúlla.

El segundo DVD ofrece un plus para los muy aficionados a Björk: todos los videos que se hicieron para los sencillos de Volta, además de los 10 finalistas del concurso para crear el video de “Innocence”. Personalmente mi favorito es el que se parece al antiguo Mario Bros. Finalmente, el último disco incluye varios remixes de los sencillos de Volta.

Recomendable para los muy fanáticos de la islandesa, pero aparte de ahí, poco nuevo que ofrecer.

El ocaso de un ídolo

Michael Joseph Jackson (1958 - 2009)

†

Ayer (25 de junio del 2009) nos llegó una de las noticias más inesperadas y que más fibras sensibles ha tocado: el Rey había muerto. El más exitoso acto del pop, que recientemente había vendido más de 1 millón de entradas para su serie de 50 conciertos en la O2 Arena de Londres, había dejado nuestro mundo. Los reportes iniciales declaran un infarto, aunque las teorías se hicieron venir y hay quien habla desde un suicidio hasta un asesinato. Nos quedaremos con la versión oficial.

Fue el artista más exitoso de todos los tiempos con más de 750 millones de discos vendidos a nivel mundial, 197 galardones reconocidos y demás cifras comerciales que impactan a más de uno. Pero hay que saber separar al arte del artista. Sí, Michael fue enormemente talentoso e innovador y me atrevo a decir que no habrá otro como él en cuanto a estilo, capacidades de mercadeo e influencia sobre la pista de baile, pero habrá que decir que su muerte fue finalmente un alivio a su tormentosa existencia.

Michael Jackson fue alguien que vivió bajo el yugo de su propio ser. Pruebas, miles: desde su cambio de look hasta el complejo de Peter Pan que muchos problemas legales le trajo. Alguien cuyo padre siempre lo tuvo en la mira como una mina de oro (desde que tenía 5 años con los Jackson 5 era quien DEBÍA destacar), alguien que tuvo que cambiar de raza (cosméticamente, al menos) por su eterna infelicidad consigo mismo. Era ese "man in the mirror" quien siempre lo tuvo encadenado a mil y un problemas y fracasos, que iban de la mano con sus incontables éxitos como músico.

No hay duda de Michael Jackson fue uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos (la prueba está en el impacto que causó su muerte en el gremio a nivel mundial). Canciones que hicieron época, innovadoras hasta en los videoclips, con un estilo único de canto, baile y música. Fue un parteaguas en la cultura musical mundial. Y como sucedió con Elvis y otros genios desaparecidos, estoy seguro que, antes que el escándalo que fue su tormentosa vida, perdurará el arte y la influencia de uno de los grandes de la música.

Descanse en paz, al fin.

Chickenfoot - Chickenfoot

Chickenfoot es Rock, puro y auténtico, como solían hacerlo hace algunos años. Una voz poderosa con música sólida detrás. Chickenfoot es Chad Smith (batería RHCP), Michael Anthony (bajista ex-VanHalen), Joe Satriani (guitarra) y Samy Hagar (voz ex-VanHalen).

El disco está armado por 11 tracks poderosos, cada uno tan bueno como el siguiente. "Avenida Revolution" abre el disco, se escucha claramente la influencia de Satriani en este track, sus guitarras espaciales le dan ese ambiente que solo él sabe crear. Chad Smith se encarga de pegarle como nunca a los tambores, ahora si se siente que está tocando rock. Samy Hagar tiene una de esas voces que son fáciles de reconocer y Michael Anthony se encarga de darle esa base sólida a la canción, sin sobresalir ni hacer falta.

"Soap on a Roap" sigue teniendo ese toque de Satch, que poco a poco se pierde en el disco y toma un rumbo más de grupo que de solista. "Sexy Little Thing" ya solidifica el trabajo de la banda, se siente que empieza a amarrar el super talento de los 4 integrantes.

"Oh Yeah" es la canción que estan promocionando ahorita y pueden ver en YouTube, la presentación de la banda en el show de Conan O'Brien. "Runnin' Out" y "Get It Up" le siguen y para estas alturas, uno espera que el disco tenga un bajón, la balada, y nos engañan un poco con la intro de "Down the Drain", que es lenta, pero no por eso deja de tener "pagüer".

"My Kinda Girl" es de esas rolas que te hacen decir "tsssss, yo conozco una de esas" a la par que estas tocando la guitarrita de aire. Y ahora sí, la power ballad, "Learning to Fall"... I've fallen down on my knees y solo de Satriani, que en ningun track se atasca como solo él sabe hacerlo.

"Turning Left" vuelve a darle el levantón rockero al disco, que nunca tuvo bajón de ánimo, para terminar con "Future in the Past", una de esas rolas que podrían sonar mientras estas parando en la punta de esa montaña (hipotética) que tanto te costó conquistar.

En resumen, un gran disco, de 4 grandes músicos, en un momento en que el Rock está demasiado adornado, lo he escuchado varias veces y cada vez me gusta más. Una enorme recomendación si estan aburridos de lo cotidiano.

4.5/5

Abnormally Attracted To Sin

En un principio este nuevo disco de la Amos no saldría al mercado hasta el 2010, pero mientras preparaba un musical, publicaba una antología de cómics basados en sus canciones y editaba un DVD de su última gira, la siempre creativa y productiva Amos comenzó a componer canciones que exigían su propio proyecto. Así surgió Abnormally Attracted to Sin (Island, 2009), después del juego de arquetipos y pelucas de American Doll Posse (Epic, 2007) y los jardines conceptuales de The Beekeeper (Epic, 2005).

Acompañando a cada canción, Amos presenta 16 vídeos que le sirvieron de motor inspirador y que ofrecen al espectador texturas adicionales a las guitarras, sintetizadores, octetos de cuerdas y su inseparable piano presentes a lo largo del disco.

A diferencia de sus predecesores, AATS carece de un “concepto unificador” y las canciones parecen el resultado de observar a personajes que van desde una madre a punto de suicidarse (Maybe California) a una adolescente auto-destructiva (Ophelia). Y estos son sólo dos ejemplos de un disco obscuro, que confronta la definición de poder en el marco de la actual situación económica mundial, ofreciendo más preguntas que respuestas.

Aún así Amos no se aleja de territorio conocido, presentando canciones personales como Welcome To England y Curtain Call, políticas como Strong Black Vine y Police Me, u ocurrentes como Mary Jane. Lo que diferencia este nuevo material con anteriores es el detalle puesto en los arreglos: sintetizadores y loops que crean atmósferas sombrías (Give, Abnormally Attracted to Sin, Lady in Blue), toques ‘pop’ (500 Miles, Fire To Your Plain) o una orquestación a lo Bond (That Guy).

Este no es un álbum sencillo de digerir, en principio por su duración (casi ochenta minutos), pero también porque descubrir cuáles son los pecados a los que cada uno estamos atraídos requiere más tiempo y preguntas que las que Amos nos ofrece en primer lugar.

Lo mejor de Abnormally Attracted to Sin: Give, Strong Black Vine, Abnormally Attracted to Sin, Curtain Call, Lady in Blue

Metallica 4/06/09 (mi primera vez)

Llegué al Foro Sol a las 8:15 de la noche, honestamente no me interesaba ver a Resorte y Avenged Sevenfold así que llegar tarde no me importó. Para cuando me senté en mi lugar (sí, al primer concierto fui a grada) los de AV7X estaban terminando su set, bastante soso si me preguntan.

En la espera a que Metallica saliera, sucedieron dos cosas que nunca había visto en el Foro Sol, la primera probablemente por güey, la segunda creo que es un "first" de los mexicanos. Primero los de la grada (nosotros) le dimos un baño de aquellos a los pobres incautos de General B que se fueron a parar cerca de las gradas, les llovieron vasos con liquidos de dudosa procedencia, nieves, palomitas, refrescos, paletas, etc.. (esto fue más divertido que los de AV7X). Es aquí cuando se puso intersante, después de varios intentos fallidos de hacer "la ola", se armó una llovizna de vasos y cajas de pizza, pero... como la ola (no sé si me entiendan, si lo hubieran visto igual no se sorprenden igual que yo, jaja).

Fue a las 9:45p.m. que las luces se apagaron y se empezó a escuchar "The Ecstasy of Gold" junto con visuales de la película "El Bueno, El Malo y El Feo". Piel chinita y celulares en mano, la gente empezó a gritar. Después de tan gloriosa introducción, el cuarteto californiano salió a darnos un set de campeonato, con altas y bajas, culpa del poco fanatismo de la mayoría, que se quedaron estancados en el ReLoad. Pocos eran los que se sabían las canciones del Death Magnetic (yo no me incluyo, la verdad es que no me termina de gustar) y por ende fueron las menos coreadas.

Abrieron con That Was Just Your LIfe y The End Of The Line, fuertes, pero poco coreadas, era más la emoción de ver a Metallica de nuevo, 10 años después. Siguieron con Creeping Death, aquí ya se podía escuchar a la gente, agitando manos y gritando "DIE, DIE, DIE". En este momento la noche solo podía mejorar; en el sonido local, una metralleta deja escuchar su ráfaga y la pirotecnia (que a pesar de sorprender y gustar, creo que dejo mucho que desear) hizo de las suyas. Los gritos ensordecedores de la gente apenas dejaban escuchar los primeros acordes One.

Siguieron otras dos del Death Magnetic - Broken, Beat and Scarred y C-C-C-Cyanide (como dijo James Hetfield) - igual solo los fans de hueso colorado se las sabían completas, pero la gente no se apagó, y menos cuando continuaron con Sad But True, con una breve introducción semi- a capella y luego The Unforgiven, otra vez más la piel se puso chinita.

All Nightmare Long y The Day That Never Comes siguieron en el set, esta última más conocida por la mayoría de los asistentes, de las nuevas, creo que fue las más coreada y aplaudida. Después de estas dos piezas, vinieron un par de delicias, Master of Puppets y Blackened, con pirotecnia nuevamente, tranquila, pero era el único apoyo que traía la banda además de su música. Luego de un solo/introducción de Kirk, bastante sin chiste y malo (a mi juicio) tocaron Nothing Else Matters, sin duda la mas coreada y la que regresó por un breve minuto, aquella costumbre de sacar los encendedores. Seguida de Enter Sandman, la gente no podía pedir más, estaban (estábamos) que no la podían creer.

Vino un descanso y salieron a terminar su set con todo. Después de unas palabras de James, que nos decía que iban a tocar una de las rolas que los habían inspirado en su carrera, tocaron Helpless, original de Diamond Head. Con esta agarraron a muchos en curva, sin embargo la sorpresa de la noche vino después, otra vez palabras de James, que decía algo así... Les gusta el disco Ride the Lightning, pues se van a llevar una sorpresa, esta canción la tocamos muy poco, así que sientanse afortunados (que soberbio, jajaja) y le dan con Trapped Under Ice, sé de algunos fansfansfans que casi lloran (nah, noscierto, jajaja).

Remataron una gran noche con la canción que con más energía (a petición de James) recibió la gente, Seek & Destroy fue la encargada de darle fin a la noche.

Al final, Metallica no se bajaba del escenario, estaban fascinados con la gente coreando "Oe, Oe, Oe, Metallica".

Una gran noche que solo será mejorada por las noches del sábado y del domingo.

El set en orden:

1. “That Was Just Your Life”
2. “The End of The Line”
3. “Creeping Death”
4. “Holier Than Thou”
5. “One”
6. “Broken, Beat & Scarred”
7. “Cyanide”
8. “Sad but True”
9. “The Unforgiven”
10. “All Nightmare Long”
11. “The Day That Never Comes”
12. “Master of Puppets”
13. “Blackened”
14. “Nothing Else Matters”
15. “Enter Sandman”

Encore
16. “Helpless”
17. “Trapped Under Ice”
18. “Seek and Destroy”

Danger Mouse & Sparklehorse (¡y David Lynch!) - Dark Night Of The Soul

Durante el festival South by Southwest 2009 comenzó a circular un póster que aparentaba anunciar el próximo lanzamiento de una película más que cualquier otra cosa. En el cartel se leía el título Dark Night Of The Soul, y entre los créditos (con letras delgadas y muy juntas, al estilo tradicional de los carteles hollywoodenses) resaltaba el nombre de David Lynch como encargado de los “visuales”. Este misterio rondó los medios durante un par de semanas, hasta que por fin se reveló el enorme proyecto detrás de aquel primer teaser.

Dark Night Of The Soul es un proyecto creado por Danger Mouse (la mitad detrás de los botones en Gnarles Barkley) y Sparklehorse. Ya habían trabajado juntos en el último álbum de Sparklehorse y desde entonces tenían la ambición de llevar a cabo un proyecto que juntara a diversos vocalistas y que tuviera como principal atracción la participación del misterioso cineasta David Lynch en la fotografía del arte que acompaña el álbum.

La dupla compuso 13 canciones pensadas para específicos vocalistas de renombre, entre los cuales destacan Iggy Pop, Wayne Coyne de los Flaming Lips, Julian Casablancas de los Strokes, Nina Persson de los Cardigans, James Mercer de los Shins, Gruff Rhys de Super Furry Animals y Francis Black de los Pixies, resultando en una gama bastante amplia de estilos vocales. Vaya, hasta el mismo David Lynch presta su voz para dos de los tracks más oscuros del disco.

El resultado es un álbum altamente hipnótico de principio a fin, por momentos rockero y por momentos lúgubre, logrando un equilibrio bastante interesante. Dark Night Of The Soul es, sin duda, uno de los discos que hay que escuchar con atención este verano.

Lo mejor de Dark Night Of The Soul: Pain (ft. Iggy Pop), Insane Lullaby (ft. James Mercer), Dark Night Of The Soul (ft. David Lynch) y Little Girl (ft. Julian Casablancas).

Mastodonte titánico

Mastodon - Crack The Skye

La titánica banda de metal Mastodon nos vuelve a regalar parte de esa maestría que los llevó a que muchos los reconocieran como la mejor banda de metal de todo el mundo. Habrá quien no esté del todo de acuerdo con esta afirmación y diga que Trivium, Lamb Of God o incluso los difuminados Metallica son la más grande banda de metal de nuestro presente. Tendrán o no razón, pero lo que es indiscutible es el talento de los hijos pródigos de Atlanta.

El cuarteto, conformado por Brann Dailor (batería), Brent Hinds (voz y guitarra), Bill Kelliher (guitarra) y Troy Sanders (bajo), nos vuelve a deleitar con Crack The Skye, su cuarta producción de estudio, tras Blood Mountain, lanzado en el 2006.

En este material, un poco más tétrico que los materiales anteriores, presenta terrenos sonoros amplios y profundos, que dan una sensación de claustrofobia espaciada, si es que existe tal cosa. Los sonidos son más crípticos y las melodías vocales evocan los antiguos coros religiosos, que fuera del contexto de sus monasterios, suelen ser lo suficientemente tenebrosos como para que... bueno, como para que Mastodon los incluya en sus grabaciones.

La mezcla general está tan bien lograda que las atmósferas espaciales armadas por los de Georgia casi se logran ver en alta resolución, millones de luces y colores. Extrañamente, los momentos más escabrosos ocurren durante las canciones y no durante los temas instrumentales. Bastante al contrario, los temas instrumentales son mucho más explosivos y emocionantes.

El álbum, que consiste de 9 tracks, entre ellos dos instrumentales (Oblivion y Divinations, que también están incluidos con banda completa), termina demasiado pronto a pesar de The Czar (10:54) y The Last Baron (13:01). Esto sólo puede reflejar una cosa: la continuidad dentro del disco es impecable. Casi no se notan los cambios entre canciones, mas no cansan. De hecho se puede escuchar la versión instrumental de Oblivion o Divinations y enseguida la versión con la banda completa y pareciera que es tan sólo una introducción a la canción en sí.

Es raro encontrar en estos días una banda de metal que no se fusione con el metal-core, incluyendo gritos y ruido - a veces innecesario. Mastodon es una de esas bandas. En este disco no hay un solo grito, sólo vocales estudiadas, armónicas e incluso melódicas. Segundas voces opacas, las dos guitarras complementándose perfectamente con el bajo y la batería inyectando la dosis exacta de explosión en el momento justo.

Es uno de los mejores discos de metal que he escuchado desde hace mucho tiempo (posiblemente desde el 10,000 Days de Tool [2006] o el The Poison de Bullet For My Valentine [2005]) junto con el Shogun de Trivium (2008), así que desde luego es una recomendación inmediata para todos los amantes de lo oscuro, lo pesado y lo talentoso.

Tracks Recomendados: Oblivion, Divinations, The Czar, Crack The Skye y The Last Baron.

4.5/5

Renovados pero con experiencia

Taking Back Sunday - New Again

Regresa el quinteto de Jersey después de tres años de ausencia con su nuevo material, New Again, y tras tres años de cambios: se fue Fred Mascherino para formar su propia banda The Color Fred (bastante decepcionante, y no sólo por la calidad de su nuevo proyecto, sino por las declaraciones que ha hecho tras su partida, y sobre las cuales trata la canción Capital M-E en éste álbum) y entró en su lugar Matt Fazzi, cuyas contribuciones en este álbum son mínimas o al menos no destacan. En estos tres años también la escena musical ha cambiado, y por supuesto que se ve reflejado en su renovado sonido, aunque han mantenido la línea evolutiva que traían desde Louder Now (2006, *****) y Where You Want To Be (2004, *****). El disco estará disponible a partir del dos de junio en Estados Unidos y Gran Bretaña. A continuación una primera lectura.

New Again es un compilado de 11 canciones nuevas que aún llevan la fina estampa de TBS en su sangre, a pesar de que hay canciones - como la portavoz New Again - que suenan a algo completamente distinto, tal vez a manera de preámbulo a lo que será su siguiente paso evolutivo.

A diferencia de Matchbook Romance, que evolucionaba según lo hacía su entorno con resultados demasiado dramáticos de un paso al siguiente, Taking Back Sunday lo lleva tranquilamente. El liderazgo de Eddie Reyes y el estatus ya firme de una banda que ha tocado al lado de Metallica, My Chemical Romance y Paramore por igual, da para no desesperarse y seguir firme en su rumbo, lo cual se agradece enormemente.

Swing, por ejemplo, es un track que mantiene la energía del Taking Back Sunday de siempre, aunque con una madurez notoria desde sus días emo en Tell All Your Friends (2002, ****). La madurez lírica y musical que TBS ha manejado a lo largo de su evolución natural ha sido siempre para bien, y parece seguir siendo el caso. Las letras no son - desde hace tiempo - de adolescente maniático, sino ya cuentan con una experiencia de años y ya pueden darse el lujo de pensar que hay cosas más importantes en el mundo que el hecho de que una chica te mande a plantar ejotes.

A pesar de ello, hay momentos en los que su evolución también es un tanto precipitada, como en Sink Into Me, que, aunque no es mala, no suena al Taking Back Sunday que los fans han aprendido a seguir y tolerar, usando tonos fiesteros en un ambiente de ruido y disonancia que tal vez no es lo que mejor les queda. Es curioso que éste sea el primer sencillo.

Lo que no se puede negar es que cada vez suenan mucho mejor amarrados - a pesar de la gran producción -, lo cual se puede notar en sus presentaciones en vivo, que en sus inicios eran paupérrimas. Sobre todo con canciones energéticas, con mucha melodía vocal e instrumental, riffs sencillos pero poderosos y sobre todo una mezcla acorde a lo que se quiere escuchar. Logran, en definitiva, un rock denso y por momentos confuso, con una fascinación por riffs de una cuerda y una distorsión clara pero pesada.

Se ha vuelto una especie de costumbre en los discos de Taking Back Sunday incluir una a dos baladas (no más), y en el caso de New Again, estas baladas encuentran asilo en Where My Mouth Is, una balada power pop, y Everything Must Go, el track más melancólico en todo el álbum, una canción semi-épica, introspectiva y un tanto oscura, que carece de conclusión. Ninguna de las dos es melosa, lo cual es interesante para una banda que siempre ha dependido de un público joven para sobrevivir. Crecer al lado de los fans de siempre es tal vez otra de las metas de la banda.

Definitivamente New Again le hace honor a su nombre. Queda muy poco del Taking Back Sunday que cautivó a los emos de principios de siglo, con sus letras irónicas y exageradas, y ahora pueden presumir de una técnica musical mucho más depurada. Es como si se tratara de un renacimiento, aunque no lo es tal, ya que se escuchan muchos hints del disco pasado que quedaron vigentes en éste. Es un buen paso para Taking Back Sunday, pero dada la evolución es difícil distinguir cuál será el siguiente paso de estos músicos que, definitivamente, crecen poco a poco, como el vino, mientras el tiempo pasa. Deja dudas emocionantes y arriesgadas para el futuro.

Tracks recomendados: New Again, Lonely, Lonely, Swing, Where My Mouth Is, Catholic Knees, Carpathia, Everything Must Go.

4/5

Jarvis Cocker - Further Complications

Jarvis Cocker está de vuelta y con el álbum más rockero que ha hecho en toda su carrera. Tres años nos hizo esperar desde su primer disco solista, y la espera sin duda ha valido la pena. Further Complications presenta un giro de 180 grados con respecto a su antecesor Jarvis (2006), en el cual reinaban los temas melódicos, repletos de pianos, marimbas y demás teclados que alegraban o deprimían el espíritu, acompañados de uno o dos tracks más rockeros, como Fat Children, segundo sencillo de aquel álbum.

En este caso, los tamborazos y las distorsiones se hacen notar durante la mayoría de las canciones, dejando la tranquilidad del disco anterior regada en sólo un par de tracks. Por otro lado, Cocker no abandona por completo sus raíces disco y las concentra en You’re In My Eyes, el tema menos afortunado de todo el álbum.

Fiel al estilo de Jarvis, las letras están meticulosamente adornadas con juegos de palabras que en ocasiones dejan ver esa ingenuidad intencional y coqueta que caracterizaba sus años como líder de Pulp. El cuarto track, Leftovers, tiene una narrativa que inmediatamente me hace recordar Common People, entrañable éxito del disco más importante de la banda inglesa.

La producción estuvo a cargo de Steve Albini, famoso por haber producido álbumes enormes de rock (In Utero de Nirvana, Surfer Rosa de los Pixies y Rid Of Me de PJ Harvey, por mencionar tres de los más trascendentes) y por su filosofía de dejar a la banda hacer lo suyo sin estorbar la armonía natural de los músicos en conjunto. Lo interesante es que en este caso la filosofía no sirvió de mucho, porque no se enfrentaba a una banda, sino a un curioso personaje solitario acompañado de músicos salidos de distintos rincones. Así que, en cierta forma, este disco podría ser la producción de Albini en la que más se nota su mano detrás de los controles, aunque haya sido en contra de sus propios principios. Una afortunada contradicción, si me preguntan.

Hasta ahora (después de escucharlo siete veces) los tracks que me parecen más representativos de Further Complications son: Pilchard, Angela, Caucasian Blues y Fuckingsong.

La toxicidad del aire

The Airborne Toxic Event - The Airborne Toxic Event

Esta banda confirma que el área de Los Angeles es casi igual de productiva musicalmente como Londres. Con su disco homónimo debutan en la escena indie rockera de Estados Unidos. Su popularidad, sin embargo, como sucede muchas veces con bandas fuera del espectro rockero típicamente estadounidense, como The Strokes, The Killers, Silversun Pickups, Cold War Kids, We Are Scientists y otras, han pegado mucho más en tierras británicas antes que en tierras estadounidenses, donde aparentemente están más al pendiente de Miley Cyrus y Kanye West.

Una de sus primeras exposiciones al público masivo fue la inclusión de Gasoline en la versión del 2009 de la popular serie de juegos FIFA. Cada soundtrack de esta serie va ligado a una extensiva búsqueda de lo que parece ser serán los talentos musicales del futuro. En estos juegos han aparecido bandas como MGMT, Bloc Party, Mañana, Kings Of Leon y Kinky.

TATE es una mezcla de sonidos que van desde The Strokes hasta The National y Arcade Fire, en un sonido que no es para nada nuevo pero que siempre cae bien. Es difícil encontrar música indie que explore sonidos distintos a los que ya se han publicado, sin embargo, por alguna razón, suena fresco y alegre.

Los orígenes de esta banda son peculiares. Mikel Jollet, el vocalista y guitarrista rítmico, inició esta banda con Daren Taylor, el baterista, tras enterarse de que tenía una rara enfermedad genética, antes de lo cual había roto con su novia y su madre había sido diagnosticada con cáncer, en un espacio de tan solo una semana. Esta serie de eventos desembocó el transformar su novela en un disco, tras darse cuenta que su prosa eran más bien canciones. El dúo se convirtió en quinteto, tras la unión del bajista Noah Harmon (con un título en jazz), la violinista Anna Bullbrook (con formación clásica) y Steven Chen, el guitarrista líder.

El nombre de la banda también recuerda el pasado literario de Jollet, ya que está extraído de White Noise, una novela hecha en 1985 que, mediante la metáfora de veneno en el aire, criticaba al consumismo y al control por parte de los medios. Jollet ha aparecido en diferentes publicaciones ya que era un escritor freelance que lo mismo trabajaba para el Los Angeles Times que para Men's Health.

TATE debuta con su disco homónimo, un disco de diez canciones que suele pasarse demasiado rápido. Las canciones cambian entre sí, manteniendo la línea general pero así logrando que no suene a algo repetitivo, monótono y viejo, sino todo lo contrario. Lo mismo suenan a los Strokes (Happiness Is Overrated), que a The National (Sometime Around Midnight), que a Arcade Fire (Innocence), las tres referencias obligadas tras una primera lectura del álbum.

No hay mucho más que analizar, es una banda indie que suena a muchas otras, sin embargo, es difícil entender por qué tras varias participaciones en lugares importantes (TV, Coachella, una elección de Adam Clayton de U2 en un programa radial) siga siendo una banda relativamente desconocida, cuando bandas como Crystal Castles han logrado armar un hype mucho mayor siendo bandas de mucha menor calidad.

Ahi escuchen y decidan. Yo, por lo pronto, recomiendo este disco.
Tracks recomendados: Gasoline, Sometime Around Midnight, Innocence, Happiness Is Overrated, Wishing Well.

A Woman A Man Walked By

Tuvieron que pasar casi trece años para que PJ Harvey y John Parish volvieran a sacar un disco juntos. En esos trece años cada uno ha editado sus respectivos proyectos y sin embargo nunca han estado del todo alejados. Harvey contribuyó en How Animals Move (Thrill Jockey, 2002) de Parish y éste coprodujo Is This Desire? (Island, 1998) y el reciente White Chalk (Island, 2007) con Harvey. Es justamente esta cercanía la que ha permitido que estas dos colaboraciones (la primera de ellas Dance Hall at Louse Point (Island, 1996) tengan sendos resultados que atrapan y repelen por igual.

En el primer sencillo, Black Hearted Love, vuelve la potente voz de Harvey después del minimalismo de White Chalk. Pero no sólo es en este corte donde Harvey desata su más polifacético instrumento: en Pig Will Not parece invocar al demonio Pazazu con todo y ladridos, mientras que en A Woman A Man Walked By advierte “That woman man / I want his fucking ass!”

Intentar describir este disco con un único adjetivo resulta casi imposible. Si tanto Harvey como Parish buscan, como así lo han declarado en muchas ocasiones, nunca repetirse a sí mismos, este nuevo lanzamiento refuerza su credo. De igual manera que hay guitarras abrasivas y voces endemoniadas, también hay espacio para canciones que evocan recuerdos distantes (Sixteen, Fifteen, Fourteen, Leaving California y Passionless, Pointless).

Ya sea juntos o por separado, el trabajo de Harvey y Parish no es experimental, sino visceral. Sus canciones tienen la capacidad de trasladarnos a instantes de pasión y es por esa misma razón que este disco es recomendable escucharlo en su totalidad. Intriga saber cuál será la dirección que Harvey y Parish tomen en su siguiente colaboración, pero por el momento estas canciones hacen pensar en “grietas en un lienzo que parecen caminos que nunca terminan.”

Lo mejor de A Woman A Man Walked By: Black Hearted Love, Pig Will Not, Sixteen, Fifteen, Fourteen

Lo mejor de Dance Hall at Louse Point: That Was My Veil, Taut, Heela

Lollapalooza 2009

Se ha anunciado (finalmente) el lineup del festival Lollapalooza 2009, a llevarse a cabo en Grant Park, Chicago, Illinois (si, Estados Unidos. Digo, por los despistados...) del 7 al 9 de agosto del 2009. Me pareció de lo más fino (si, MÁS que Coachella 09).

Afortunada (o desafortunada, tal vez)-mente, no tengo dinero para ir. Digo afortunadamente porque no podría ver a tantas bandas, muchas de las cuales no he visto y muero por ver (toc, toc, Coheed And Cambria, Tool, Kings Of Leon, Andrew Bird...).
Para no hacer el cuento largo, aquí van las bandas (que conozco) por las que vale la pena ir a este histórico festival (en ningún orden específico):

Depeche Mode, Tool, Jane's Addiction, Beastie Boys, Kings Of Leon, Lou Reed, Ben Harper and the Relentless7, Thievery Corporation, Rise Against, Andrew Bird, TV On The Radio, Vampire Weekend, The Decemberists, Animal Collective, Band Of Horses, Of Montreal, Arctic Monkeys, Coheed And Cambria, Ben Folds, Fleet Foxes, Silversun Pickups, Bon Iver, Atmosphere, Cold War Kids, Deerhunter, Lykke Li, Peter Bjorn And John, Heartless Bastards, The Gaslight Anthem, The Airborne Toxic Event, White Lies, Los Campesinos!, Portugal. The Man, Ida Maria y Kevin Devine.

Además, si me aburro de tanta buena banda (ajá), me puedo ir con los pinchadiscos. Pero sería una pérdida de tiempo con tanto rock. Que bárbaro. Quien fuera rico para ir y quien fuera mago para dividirse en muchos y ver a todos estos que quiero ver. OK, no está tan caro. Más bien es cosa de dividirme en muchos yos.

En fin, espero que Chuck Norris pueda hacer lo que yo no. O de perdis Kriss Angel.

Aquí el lineup completo.

Bloc Party 4.0

Bloc Party realizó el pasado 17 de abril su cuarta visita a México en la Alameda Poniente de Santa Fe. Tuve la oportunidad de ir y he aquí el recuento de los daños.

La organización corrió a cargo de Nokia, y no fue mala, pero tampoco buena. El concierto se retrasó hora y media, durante la cual mezcló Chuck Pereda para amenizar. No lo hizo mal, pero si fue demasiado tiempo. Nunca se supo la razón del retraso. Además de ese retraso, la cerveza brilló por su ausencia. ¿A quién se le ocurre un concierto, en viernes, donde no se venda cheve? Y para rematar, cualquier otra bebida se vendía en stands que se encontraban a los costados (o lejísimos, como el de la entrada), por lo que tenías que navegar entre 10 mil personas para llegar a comprar un poco de hidratación. Eso, además significaba perder tu lugar y perder probablemente a tus amigos o con quien fueras. Eso sí, gran producción, buenas pantallas gigantes, muchas cámaras. Creo que hasta lo transmitieron en la tele (canal 52). No estoy seguro.

Tras la cancelación de Juan Son para abrir, se confirmó a Quiero Club. Antes, quiero destacar que QC no me parecía una mala propuesta. Pero eso fue antes de escucharlos en vivo. Alguien (y lo culpo) dijo alguna vez que Quiero Club era el CSS mexicano. En Japón o algo. No sé bien la historia. El punto es que ese tipo estaba drogado, tomado, o que sé yo, porque a QC le faltan décadas para siquiera tener la misma onda que CSS. Y no soy un ávido fan de CSS, pero Quiero Club cobra carísimo por tocar, prenden menos que los Kings Of Convenience abriendo para Megadeth y además esconden su talento. No me atrevo a decir que no lo tengan, porque alguna vez los vi en el difunto Monster y me divirtieron (aunque tal vez estaba tan tomado que un mono baterista me hubiera causado la misma gracia). Pero la manera en que las vocalistas cantan desafinadas, más preocupadas por sus leotardos, lentes y faldas que por lograr dar una buena nota, es casi ridícula. Además, tocaron demasiado tiempo con un público apagado, expectante y cansado de una hora y media de letargo con Chuck Pereda, para aventarse otra hora interminable con las voces disonantes de Quiero Club. Yo me divertía más con la cámara que pasaba cerca de mi y con hacer estupideces cada que nuestras caras aparecían en la pantalla grande. El momento cumbre de QC fue cuando preguntaron "¿Se la están pasando bien, México?" a lo que siguió un rotundo, decisivo y contundente "Noooo" con 9,500 gargantas de potencia.

Bloc Party finalmente tomó el escenario y como sucede en conciertos gratuitos, muchos van sin saber a qué. Recibí y escuché comentarios del tipo "no los conocía, pero sí rifan!". Un pequeño consejo: los conciertos gratuitos siempre son bienvenidos (SIEMPRE), pero la distribución del boletaje debería de ir orientado a los fans. Si bien los que llegamos temprano, con boleto, tuvimos acceso a la zona naranja (unos 10 a 30 metros del escenario, detrás del pequeño comité VIP), muchos fans tuvieron que soportar el concierto entre mirones que no sabían ni qué hacían allí. Mi consejo es entregar boletos en base a trivias. Si no conoces al grupo, puedes ir, pero ve hasta atrás, para que los que quieren la fiesta y el show lo vean adelante, bien, como Dios manda.

Tuve la oportunidad de verlos en el Auditorio Nacional hace un par de años y terminé muy decepcionado, así que iba escéptico. Tuvo que ver el tráfico de ese día, la lluvia, el mal sonido, la hueva con la que tocaban, y muchos etcéteras. En fin, mis expectativas no eran altísimas, pero Bloc Party me gusta mucho y fui con buena actitud. Las primeras canciones tuvieron fallas en la ecualización, y yo pensaba "otra vez", pero pronto se corrigieron. Culpo a Chuck Pereda, QC y la hora y media de retraso por la mala actitud del público al inicio. Eso derivó en que los que realmente íbamos a ver a la banda, nos conectamos en Positive Tension, la cuarta rola. Específicamente en ese maravilloso bridge rockero en la segunda mitad. Después de un “that’s more like it” de Kele (vocalista, buen carisma por cierto), todo mejoró. Tocaron mucho de su antiguo material, las canciones esperadas (a excepción de Sunday, I Still Remember y otras) a pesar de tratarse del tour de Intimacy, lo cual se agradeció enormemente.

El sonido mejoró muchísimo a diferencia de las 3 primeras canciones. Eso mejoró también la actitud de mucha gente, que ya se había enganchado con la banda. Incluso canciones como Ares y Mercury, las más experimentales y particularmente las que menos me gustan, se desenvolvieron perfectamente. Ahora hasta me gustan (la maravilla de la música en vivo es que entiendes muchas cosas, sobre todo en actitud introspectiva, de lo que la banda quería lograr con eso). También ayuda el hecho de que han tocado mucho durante mucho tiempo. Eso es práctica, y como en todo, la práctica hace al maestro. Superaron por mucho su actuación pasada en México.

Terminé gratamente sorprendido. Aquí el setlist y el único video decente que encontré del show.

Todo es culpa de los rojos

 Russian Red es una madrileña que con una guitarra hace maravillas. No, no es cierto. No es su guitarra, no son esos arpegios lentos que te llevan de la mano por toda la cancion. No es su voz tampoco, por que como su voz, hay muchas. Es quizás el sentimiento.

No sé exactamente que hace que lo mismo de siempre suene tan diferente, tan fresco, tan nuevo. La misma receta de siempre repetida una vez más pero el sabor es diferente. El cover a Girls just wanna have fun es una obra maestra. Adquiere una nueva vida y un nuevo significado.

Algunas canciones se van sin apenas notarlo. Es folk, el mismo de siempre y sin embargo suena tan diferente. Guitarra y voz, no más (algunas canciones tienen percusiones, muy sutiles.). No se necesita más.

Su disco ya tiene un rato que salió, un año para ser exactos pero es un must have, a pesar del tiempo. 

Al final, me quedo sin palabras. Un excelente disco en el que encuentro muy difícil explicar que es lo que hipnotiza al que escucha.

Kudos, Cobus

La mayoría de las películas e historias que escuchamos cuentan la historia extraordinaria de gente ordinaria. Toca el turno de voltear las cosas: un tipo con talento extraordinario llevando una vida ordinaria. Cobus Potgieter es un joven sudafricano de apenas 22 años que tiene el extraordinario don de ser un baterista autodidacta asombroso, con una precisión casi matemática y una creatividad que nace a la velocidad de la luz.

Un extraño fenómeno humano que sube videos a YouTube de él tocando sus canciones favoritas a manera de improvisación, por pura diversión. Si bien se rige por la estructura predefinida de la canción en turno, a la primera provocación intentará improvisar con redobles relámpago, ritmos inusuales y una métrica envidiable.

Su gran talento ha atraído a tiendas y otras empresas, que lo patrocinan, y a un par de apariciones en televisión. Su canal ha recibido ya más de 11.5 millones de visitas, haciéndolo uno de los más visitados (#97, All Time, Musicians).

Sin embargo, no es un músico profesional, es un joven estudiante de ingeniería con un talento envidiable, que muchos profesionales carecen y aún más desearían tener. Su premisa es que la música es divertida.

Kudos, Cobus.

Dos soles que no amanecen

Espero, y lo digo de todo corazón, que me equivoque. Que este sea un disco de esos que la primera vez que escuchas te aburren, la segunda no lo entiendes, y para la tercera no puedes dejar de tararearlo. Two suns me ha decepcionado.

Como a muchos la salida del segundo disco de Bat for lashes me emocionó. Al principio, lo escuche en desorden y me aburrió. Así que pensé que tal vez, lo tenía que escuchar de principio a fin y en orden para entenderlo (entenderlo? que hay que entender? es música!) pero sinceramente me decepciono.

El primer track es como estar escuchando a bjork, que esta bien... si compras un disco de Bjork. El resto es una interminable balada.

Suena igual a todos los discos de nufolk con una vocalista. Al final, tengo el sabor de que me pude haber ahorrado horas escuchando este disco y haberme quedado con el último de Feist. Al menos, tenemos más ritmos, más cambios de ambiente.

Two Suns es un buen disco para escuchar mientras se hacen otras cosas, principalmente leer, escribir... o dormir. No seré injusto Sinren song es un gran track y Daniel logra hacernos sentir.  Vale la pena bajar esos 2 tracks o comprarlos en itunes.

Natalie Portman's Shaved Head

SOPHISTICATED SIDE PONYTAIL es el nombre del track, recomendable si es uno fans de los Ting Tings... ay les dejo el video de vimeo, que tiene mejor calidat.

Bandas que yo vería en Coachella

Coachella 2009

De las incontables bandas que se presentan del 17 al 19 de abril en el festival de Indio, California, yo vería únicamente a (en orden alfabético):

Viernes 17
Bajofondo, Beirut, Conor Oberst And The Mystic Valley Band, Crystal Castles, Franz Ferdinand, Leonard Cohen, Los Campesinos!, Molotov, Morrissey, Noah And The Whale, Paul McCartney, Silversun Pickups, The Crystal Method, The Airborne Toxic Event, The Black Keys, The Courteeners, The Hold Steady, The Presets, The Ting Tings y We Are Scientists.

Sábado 18
Atmosphere, Band Of Horses, Billy Talent, Calexico, Dr. Dog, Fleet Foxes, Glasvegas, Ida Maria, James Morrison, Mastodon, M.I.A., MSTRKRFT, The Chemical Brothers, The Killers, Thievery Corporation, Turbonegro y TV On The Radio.

Domingo 19
Antony And The Johnsons, Devendra Banhart, Friendly Fires, Groove Armada, IMS, Lupe Fiasco, Lykke Li, My Bloody Valentine, Paolo Nutini, Perry Farrell, Peter Björn And John, Public Enemy, The Cure, The Gaslight Anthem, The Horrors y Yeah Yeah Yeahs.

Y aunque dejo como a la mitad fuera, qué bueno que no voy, porque no me daría tiempo ni vida para dividirme entre los escenarios y escuchar a todos éstos. Ya enviaremos a nuestra corresponsal, para que nos cuente cómo estuvo.

Cigarrettes Et Passion

De Battre Mon Coeur S'est Arrêté (2005)

En inglés, la titularon The Beat My Heart Skipped, aunque literalmente el título significa "from beating, my heart stopped" (si, en inglés).

Se trata de una película francesa que cuenta la historia de un joven de 28 años, Thomas Seyr, que vive de ser matón para empresas y personas en bienes raíces. Es hijo de una pianista profesional y, aunque su madre murió cuando él era joven, redescubre su pasión por el piano cuando habla con un viejo conocido, el ex-agente de su madre, quien le pide que algún día audicione para él. Entonces Thom, entre su vida pseudo-criminal y líos amorosos con la mujer de uno de sus socios, decide entrenarse con una profesora china de nombre Miao Lin, para poder estar en forma para el día de la audición.

La historia transcurre entre la dura vida de estos matones y la pasión que él encuentra en tocar el piano. Sin embargo, no es una historia melosa, como podría esperarse. Es bastante cruda y decepcionante, al puro estilo del cine europeo. Los conflictos personales que Thom enfrenta, incluso con su padre, que también anda metido en negocios turbios, aunado con esa bestia interior que es el pianista, desatan una serie de discursos emocionales que van cambiando al personaje conforme avanza la cinta.

Con tomas poco convencionales y el estilo europeo de grabar a mano, el director nos entrega planos cerrados y claustrofóbicos, que por momentos se abren para enseñarnos un poco del entorno físico en que se encuentra el personaje, pasando éstos, obviamente, a segundo plano. Fue dirigida por Jacques Audiard (Read My Lips) y actúa Romain Duris como Thom, el personaje principal. Aunque es un remake de Fingers (1978) de James Toback, no se siente como tal, aun sin haber visto la primera entrega. Cabe destacar también que Duris aprendió a tocar el piano (Bach, nada más y nada menos) para la película.

Su premiére fue en el festival internacional de Berlín, en el que ganó un oso de plata por mejor música y fue nominado a un oso de oro por mejor director, además de que fue parte de la selección oficial. Ganó también una serie de premios en los BAFTA, César y los EFA y ganó el premio de mejor película en el Sindicato Francés de Críticos de Cine.

Una película difícil de encontrar - para ser sinceros la bajé porque incluye el track "Breathe" de Télépopmusik - pero que vale la pena, no sólo por empaparse de un cine distinto al de Hollywood, sino porque la historia y el personaje en sí están muy bien construidos. También entra en conflicto con nuestra cosmología la manera de ser del francés, seco, malhumorado y directo, con nuestros modos latinoamericanos. Nos ahorramos el final predecible de Hollywood, las estrellas reconocibles y, sobre todo, la historia extraordinaria, con un héroe, que arregla las cosas. Un filme trágico, serio, pasional, pero sobre todo, altamente recomendable.

El ave inmortal

Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix (2009)

Wolfgang Amadeus Phoenix es la cuarta entrega de los franceses Phoenix, que después de It's Never Been Like That (2006, ****) regresan con un álbum altamente anticipado por los fans, los medios y la cultura pop en general.

El lanzamiento del álbum no está planeado sino hasta el 25 de mayo del 2009, sin embargo, ya está disponible via descarga (ilegal, me parece). Hay algo curioso en que el "leak" salga incluso meses antes del lanzamiento oficial, y me parece que es una estrategia mercadotécnica por parte de los propios Phoenix. El arte probablemente termine siendo el mismo, aunque se dice que la versión final tendrá no 10 (o 9, como es mi caso), sino 11 canciones. Se especula que "Love Like Sunset" se divida en dos y con ello formen los once tracks. Una banda generalmente cuida como oro su próximo lanzamiento, y en la mayoría de los casos, los leaks se dan una o dos semanas antes del lanzamiento oficial, cuando el álbum ya está en manos de muchas personas (medios, gente del "biz"...). WAP sale con más de dos meses de anticipación, y "1901" está disponible para descargar del sitio de la banda desde Febrero 23. Seguramente todo esto tenga el propósito de armar hype entre la banda indie-trendy o "fresirockera", y así cuando el álbum salga, tengan ya dos o tres canciones consentidas entre los fans, y el álbum se venda como pan caliente. Habrá que ver si les funciona.

Un resumen track por track. El disco arranca con mismo beat fiestero con que nos dejó Consolation Prizes, un sonido ligero y bailable, primero con Lisztomania y luego con 1901, vieja conocida, que aparenta querer subirle el volumen a los Phoenix con un sintetizador pesado al más puro estilo francés. Fences regresa a un estilo bohemio contrastante con las pasadas dos, aún con ese sello característico de guitarras muteadas y un sinte mucho más relajado. Love Like Sunset, el track más largo con 7:39, pudiera parecer sacada de Télépopmusik para evolucionar lentamente a un Phoenix más introvertido, más misterioso (ese intro que piensan dividir, un post-rock electrónico que a mi gusto deberían dejar como un solo track, si acaso una edición para radio) y con tan sólo unas cuantas líneas de voz. Lasso nos devuelve la fiesta, volviendo al up-tempo, con un estilo un poco más rockero. Rome regresa al Phoenix de United, más lento, aunque parecido a M83. Countdown (Sick For The Big Sun) pareciera el hijo que tuvieron Sunday de Bloc Party y Keep The Car Running de Arcade Fire, lenta por momentos, con una batería indefinida y cambios en tono que invitan a un road trip por la costa. Girlfriend, con un intro digno de Strokes, pudiera ser la canción más convencional del disco, aunque no deja de ser buena, especialmente por la melodía de Thomas Mars (vocalista). Armistice es el útlimo track de lo que ha salido, aunque queda pendiente el track 10, Twenty-one One Zero", y es otra canción bailable pero flojona, sin ese punch necesario para hacerla destacable. Además termina abruptamente, presuntamente para darle entrada a ese track perdido. En conjunto, WAP supera al disco anterior, aunque tiene una caída notable en los dos últimos tracks (a reserva de ese décimo).

El cuarteto de Versalles la vuelve a armar, con un disco un poco distinto a los anteriores, quizás más maduro, pero sin olvidar ese sentido de fiesta que Phoenix siempre inyecta. Sin alejarse jamás de ese estilo característico de las bandas del suburbio de Versalles (Daft Punk, Air) y de la avanzada francesa en general (Justice, M83, Telepopmusik), logran una entrega diferente, interesante, menos Black Kids y bastante más pensada, con variaciones en tono, color y ritmo. WAP es un disco que viaja por muchos más parajes que los anteriores, sin dejar de gritar Phoenix por todos lados, así que consíganlo, y cómprenlo una vez que haya salido a las tiendas. Vale la pena.

4/5

Stoned (2005)

Stoned (2005)

OK, este es el primer review de una película en este blog.

Stoned es una película del 2005, dirigida por Stephen Woolley, un productor melómano (Sounds Like Teen Spirit, How To Lose Friends & Alienate People y The Neon Bible) que se ha dedicado a las pequeñas producciones. Escrita por Geoffrey Giuliano y adaptada por Neal Purvis y Robert Wade, trata de la trágica muerte de Brian Jones, fundador de los Rolling Stones.

Aunque no soy un gran conocedor de la historia de los Stones, la novela fue escrita basada en las confesiones del asesino y en recopilaciones de testigos presentes, además del libro de Anna Wholin, The Assassination Of Brian Jones. En fin, es una ficción histórica de lo que se supone pasó con Jones.

En el aspecto técnico, está bien lograda, tiene en Leo Gregory (Jones) una soberbia representación acompañada de una gran actuación y está muy bien adaptada a la situación y la época. Llega a ser un poco tediosa, a la vez que demasiado frenética en momentos, pero personalmente creo que es parte del "feel" de la situación rockstar en la que se encontraba.

La trama es buena, empieza dándonos una idea de por qué Jones se fue separando de la banda, sus reales influencias y gustos y sobre todo, su decadente paso por el mundo de las drogas. Hay una línea brillante, que resume su situación, en la que Jones pregunta, después de ser confrontado por su novia acerca de su abuso desconsiderado de drogas: "Pero si tu las consumes, y Keith las consume", a lo que ella responde "Pero tu no puedes controlarlas" (palabras más, palabras menos, no lo voy a buscar).

Stoned, como muchas de las producciones de Woolley, nunca dieron demasiado de qué hablar, sin embargo, es una buena película, sobre todo para los fanáticos de la banda de rock más importante de la historia. Además, cuenta el misterioso caso de la muerte de un rockstar del que nunca se habla tanto; hablamos de Janis, de Jimi, de Cobain. Curiosamente Brian Jones también forma parte de ese infame "club de los 27", y su muerte tiene mucho de trágica. Una buena película, recomendable que la bajen, no estoy seguro de que se encuentre en su "videocentro" más cercano. Igual y está en Mixup. Pero si no, bájenla y véanla con un cigarrito en la mano. Si pueden, un whiskey. Métanse en la trama.

Un bosque no tan oscuro

Primero que nada quiero presentarme. Luis, comunicólogo y joven. No creo que haga falta decir más, ya se irán dando cuenta de mi papel en este blog.



Pale Young Gentlemen es una banda que a pesar de tener fans comprometidos no ha alcanzado la fama. No se puede decir que sean completamente desconocidos. Simplemente, les ha faltado dar ese paso entre banda chica y banda importante. Aún cuando no son una banda pesada es una difícil de escuchar, quizás por la instrumentación poco común (o mejor dicho clásica)

Su segundo disco salió en octubre. Titulado Black Forest (tra la la) causó tanta emoción como el primero. Es decir, casi nula. Los fanáticos de la banda se hicieron de su copia mientras que el resto del mundo siguió girando sin más. Apenas ayer, me enteré de la existencia de ese segundo disco y hoy lo escuche por primera vez y por segunda, y por tercera...

Pale Young Gentlemen ha cambiado en relación con su primer disco. Ahora basan su sonido en guitarras acústicas y no en pianos. Sorprendentemente el sonido que los caracteriza no se pierde. Y aunque ahora, hacen recordar más a los soundtracks en las películas que música de cabaret, no se puede hablar de perdida de identidad. Manteniendo su sonido limpio, acústico sin uso de efectos logran crear diferentes ambientes con cada track.

Es un gran disco que merece, por lo menos, ser escuchado dos veces. En comparación con su primer disco este permite hacer varias cosas mientras se escucha. El pasado requería concentrarse en la música. Este, tal vez, por basarse en arpegios de guitarra y no en el vaivén del waltz en un piano permite dejar el disco corriendo. Es mucho más ligero que su disco homónimo. Casi sin darnos cuenta el disco llega a su final, llevandonos de la de la mano. Es difícil hablar de un track que resalte porque todos son diferentes entre si.

El primer sencillo permite que el escucha se dé cuenta que este álbum va más relacionado al pop que al indie. Esta es una banda que enamorará a quien los escuche pero nunca llegará a ser famosa. Es el gusto desconocido.

Dejo el cover que le hicieron a MIA - Paper Planes. A pesar de ser una canción "quemada" PYG la aborda de otra manera. No es la canción más representativa pero ayuda a tener una imagen de lo que viene en el black forest.

El lado íntimo de la fiesta

Bloc Party - Intimacy

Había escuchado muy malas críticas de esta banda inglesa acerca de su nuevo álbum, Intimacy. Tal vez por eso me encontraba un tanto renuente a escucharlo. Pero hoy, si, hoy, después de tanto tiempo, le di una oportunidad y adivinen qué. Las críticas no me parecieron para nada atinadas.

Es cierto que los dos primeros cortes, Ares y Mercury son absolutamente terribles. Dan ganas de ponerle STOP y no regresar jamás. Pero me contuve. Y valió la pena. Pareciera que esos dos cortes fueron el resultado de una noche de pachequez y mala imaginación de parte de la banda (o de alguien en ella) y que resultaron como hijos bastardos de la banda. Espero al menos que así sea y no sea una probadita de lo que nos espera en el siguiente disco.

Pero tras esas dos canciones, que pareciera que fueron hechas para probar la fidelidad de sus fans, un examen para ver si merecíamos escuchar el resto del disco, siguen canciones del queridísimo Bloc Party de antes. No es un mejor disco que los anteriores, de acuerdo, pero se mantiene muy bien a la altura de ellos. Obviando esas dos canciones, podríamos decir que es un excelente disco de una de mis bandas preferidas.

Better Than Heaven es uno de los mejores cortes del álbum: mantiene mucha de la energía del Bloc Party que conocemos pero lo convierte en una de las canciones más oscuras de la banda, terminando en una suerte de breakout muy interesante, ruidoso y melódico. El primer sencillo es Mercury, en mi opinión, una de las peores ejecuciones de la banda. Resaltan también Biko, Halo (recuerda al Silent Alarm [*****, 2005]), One Month Off e Ion Square (corte que contiene en la letra pedazos del poema de E.E. Cummings "I Carry Your Heart With Me").

Intimacy es un buen disco para darle seguimiento a la banda. El estilo se mantiene fiel y estoy casi seguro de que si eres fan, vas a disfrutar el disco enormemente.

4.5/5

La noche nunca fue tan brillante

Wintersleep - Welcome To The Night Sky

Desde Halifax, Nova Scotia, Canadá, saluden a Wintersleep, ganadores del premio Juno (el equivalente canadiense de los Grammys) a mejor grupo nuevo. Aunque de grupo nuevo no tienen mucho, Welcome To The Night Sky es su primer lanzamiento inédito desde que están en una disquera más grande que el colectivo en el que estaban antes.

Su disco debut, titulado simplemente Wintersleep (***, 2003) resultó una oscura e imprecisa mezcla de sonidos acústicos que nunca llegó a encajar. Para este disco, Wintersleep se reinventa, lanzando un disco rock, completo desde momentos acústicos folkies hasta guitarras con distorsión, con una batería que varía de canción en canción, con melodías vocales bien trabajadas sin embargo con el sonido tradicional de banda joven que no ha terminado de aprenderse a sí misma. WTTNS resulta una muy atractiva mezcla que suena a veces a Steel Train y que resulta como un muy agradable pedacito de Canadá.

WTTNS tiene momentos muy trabajados musicalmente hablando, utilizando sampleos en la batería, creando melodías con las guitarras, bajos trabajados, vocales armónicamente bien embaladas. El tercer álbum de la banda resulta una evolución clara de lo que venían haciendo en sus inicios, donde más bien daban la impresión de querer a gritos pisar la distorsión pero por alguna razón se quedaban en un grunge acústico difícil de digerir. Ahora el balance es mucho más claro, han aprendido a utilizar los efectos, sampleos, a educar la voz, y han sobre todo aprendido a crear música que inspira, que cuenta y que da la impresión de querer más. 10 canciones no son suficientes para un buen álbum de Wintersleep.

Canadá tiene esa peculiaridad de hablar francés e inglés. De tener centros urbanos al lado de los pedazos de la naturaleza más salvaje, de tener equipos de hockey y de fútbol. Tiene esa cualidad de aparentar tener de todo en un espacio reducido (urbanamente hablando). Canadá también, siguiendo esa polaridad, tiene la característica de darnos a Matthew Good, a Nickelback, a Avril Lavigne y a Sum 41.

Canadá aparentemente tiene mucha tela de donde cortar musicalmente hablado, siendo lastimosamente opacado en muchas ocasiones por las pseudo bandas "alternativas" del gabacho. Otras veces, estas bandas se cuelan por las rendijas de la frontera y logran acaparar el spotlight. Wintersleep, con esta reinvención de sí mismos, parece que van por el camino correcto a un excelente siguiente disco, siguiendo la tendencia rockera de este.

Gran recomendación. Recuerden. Los Juno Awards no están tan sucios como los Grammys. Yo más bien lo compararía con los Mercury ingleses. Adelante, bájenlo, en lo que llega (si es que llega) a las tiendas de nuestro monopolio mixupero.

5/5

El niño vivo más blanco se pone las pilas

The Whitest Boy Alive - Rules

A diferencia de su último disco, Dreams (***, 2006), estos indie rockeros noruego-alemanes deciden alegrar un poco las cosas, subirle de beat y entrarle incluso al indielectro (ja). En mi humilde opinión, esta banda (que se parece tal vez demasiado a los Kings Of Convenience, del cual es parte Erlend, el vocal), logra un disco bastante más disfrutable que Dreams, sin embargo, carece de esa canción que destaque sobre las demás. Tal vez todas son buenas, pero no hay un "hit" claro, algo que no sucede en Dreams (Burning).

Respetando el estilo minimalista, incluso en las secciones electrónicas del álbum, Rules se vuelve un gran disco para pasar una fría tarde como la de hoy. También se vuelve un disco fiestero, de esos que puedes incluir en el playlist de una casera y quedar bien. Ya los trajeron a México (junto con los Kings Of Convenience. Figures.) y tuvieron buena aceptación. Como músico, no soy gran fan de este tipo de música ya que no es para nada "complicada", es decir, el minimalismo tiene tal vez como única dificultad musical el incluir tan pocos sonidos posibles y empalmarlos de tal manera que sean agradables. No hay guitarras emocionantes, ni redobles de batería, ni gran dificultad vocal. Tal vez el bajo es lo más complejo con esos riffs funkys. Sin embargo, si que puedo disfrutarla. Y es por eso que disfruto también el electro, a los Kings of Convenience, a tantas bandas de la "nueva ola" (que de nueva no tiene nada) que logran mezclar esos pequeños sonidos de manera efectiva para lograr un disco vendible.

Es un buen disco, mejor que Dreams, pero que no logra encajar en ningún momento y se vuelve parte del montón. Tal vez esa es la tirada. Los vamos a volver a ver en México, vamos a bailar sus canciones y vamos a disfrutar de esta música, parte de la música desechable que tanto nos asedia hoy en día.

Dejen les anticipo, ninguna de estas bandas se convertirá en una leyenda que se estudie en las aulas. The Whitest Boy Alive incluidos. Sin embargo, es música disfrutable. Un disco para escuchar una vez al mes, una vez cada dos semanas. Es de los discos con teflón, de los que (tal vez a propósito) nada se pega.

4/5

La sombra de Razia

Forgive Durden - Razia's Shadow (A Musical)

Si, un disco concepto que le tira a ser un musical. Lo logra. El ambiente teatral de las canciones es algo totalmente distinto a lo que esta banda ha hecho y por demás ambicioso, un proyecto que a momentos recuerda levemente el The Mother, The Mechanic, The Path de The Early November. Más al The Path, ya que cuenta también una historia.

No deja de ser un proyecto ambicioso, que a veces también suena a DeVotchKa, ese aire indie-orquestral que pocas bandas se atreven a buscar y que generalmente requiere de mucho trabajo, mucho conocimiento musical y una gran producción a la hora de grabar. No es cualquier paseo en el parque.

Es el disco más esperado del 2008 de la firma Fueled By Ramen y, contrario a lo que se podría esperar, este disco no suena a nada al power pop al que FBR nos tiene acostumbrados. Es cierto que tiene la voz pop-punketa, pero también es cierto que tiene muchos invitados que alternan con esta voz, logrando que no canse, aunado a un narrador con una voz radial envidiable.

Está dividido en dos partes. La primera cuenta una historia de un ángel egoísta que divide al mundo con sus acciones. La segunda parte habla del amor y la unión del mundo. Una historia de creación-destrucción-recreación cíclica que hemos visto muchas veces, pero que siempre resulta interesante la distinta manera de contarlo de quien lo haga.

Recomendación seria. Es un disco serio, no es un disco tan bailable, pero no es un disco tan oscuro como podría pensarse. Sonidos de violines, tambores de marcha, guitarra, batería, bajo, buenos arreglos vocales. Comprenlo y/o bájenlo.

Me quedo con el quote final: "...so this is my cue of where to leave you. Now it's your story to re-tell and pass on, because an idea is only relevant if it's been thought upon. So remember, never surrender, because the unrelenting constancy of love and hope will rescue and restore you from any scope."

Anthony y la manzana

Anthony Green - Avalon

El año pasado (si, el 2008), salió este álbum de un personaje a simple vista poco reconocido, pero que preguntando - sobre todo al público adecuado - resulta ser alguien muy influyente en su círculo musical. Este ex-Saosin, vocalista de Circa Survive, y de muchos otros proyectos se ha logrado mantener en el underground estadounidense precisamente porque no le gusta la fama. Por eso salió de Saosin. Y sin embargo, Saosin no sería ni la mitad de popular si no hubiera sido por este hombrecillo.

Avalon es su disco solista, que sale de las guitarras frenéticas de Circa Survive y de la visceralidad de Saosin para entrar en cierto tono de reflexión y/o cruda. Armado solamente con su guitarra acústica, logra entregarnos un pseudo-folk agradable, con su característica voz chillona (pero no tanto como en Circa Survive) que a ratos se encuentra con un post-rock instrumental (Springtime Out The Van Window) digno de The Album Leaf y Explosions in the Sky.

Este disco - como casi todos los discos solistas rockeros (y aclaro, porque ya sabemos los poperos como son) - es una introspección, un momento de pausa, casi como si detuviera el tiempo en su carrera y levitara en un mismo punto. Generalmente su música es frenética, rápida, visceral, emocional y huracánica, pero en Avalon Anthony Green decide pausar ese ritmo y respirar, logrando una atmósfera digna de un domingo en la tarde, un paseo por la playa o una tarde en el bosque. Es de esa música que puede replicarse sin mucha dificultad, de aquéllos discos que te imaginas podría un amigo tocar alrededor de una fogata.

Sin llegar completamente al folk, sí se vale de elementos como una acústica sonora amplia, que nos da la sensación de espacio, y que a la vez es el resultado de tal vez, y a lo mucho en la mayoría de los cortes, cuatro instrumentos, contando la voz.

A pesar de no ser un disco per se excelente, sí es interesante, sobre todo si conocemos las bandas en las que ha estado este influyente personaje. No es tan reflexivo como para ser inescuchable, pero no es tan ligero como para no ponerle atención. Es una buena recomendación que un servidor les hace para empezar el año acústicamente, sin adelantarnos a lo que irremediablemente vendrá.